Cabaret Cannibale

At the "Théâtre des marronniers" it happened an original show during the month of March, according to the Grand-Guignol repertoire. It was a serie of short plays which, in the end oh 19th century, frightened the audience. In this adaptation, we can notice a reference to the famous actress of the genre : Paula Maxa who was specialist in the art to die ! She played all the conceivable manner to die.

Nowadays, all these deathes are very grotesque and look more funny than terrible. The company insist in this gap : after every scene, the « dead » gets up at sight and comes explain us the tricks used in the scene : a knife blade in plastic, blood pockets...

For my part, it was very interesting assisting at this show because the Grand Guignol repertoire is very unknowed and not much play  nowadays. Moreover, the actors were very good and in collusion with the audience. At last, the « Théâtre des Marronniers » is a favourable place for this type of representations because is a theater of 50 places so the audience is very closed with the action. 

Emilie Roussel

CONFERENCE D’ANNIE SUQUET

 à l’occasion de la parution de « l’éveil de la modernité, une histoire culturelle de la danse, 1870-1945 »

Voici une présentation du dernier livre d’Annie Suquet à travers les prises de notes de la conférence qu’elle a donné dans le cadre du cours de Claudia Palazolo, pour les amateurs de danse et tout ceux qui voudrait en savoir plus, un livre plutôt accessible.

Présentation de l’auteur

Historienne de la danse, Annie Suquet a été chercheuse en résidence à la Merce Cunningham Dance Foundation à New York pendant plusieurs années. Depuis 2001, elle travaille comme enseignante et conférencière pour diverses structures culturelles et pédagogiques, en France (Centre national de la danse, Université Paris-VIII...) et en Suisse (École des Beaux-arts, Université de Genève, Fondation Fluxum...). Membre du comité de rédaction de la revue Repères, cahier de danse, elle a aussi publié : « Le corps dansant : un laboratoire de la perception », in Histoire du corps, t. III, dir. Jean-Jacques Courtine, Alain Corbin et Georges Vigarello (Seuil, 2006) ; Chaque petit mouvement, traduction de l’américain, préfacée et annotée de Every Little Movement de Ted Shawn (Complexe/CND, 2006) ; Chopinot (Cénomane, 2010).

 Tiré de http://isis.cnd.fr/spip.php?article1078

Présentation du livre

La saison 2012 / 2013 voit naître une nouvelle collection, « Histoires », destinée à accueillir des livres offrant un panorama documenté d'une grande période historique ou d'un grand thème de l'histoire de la danse.

Premier volume de cette collection, L'Éveil des modernités : une histoire culturelle de la danse (1870-1945) d'Annie Suquet paraîtra le 23 août 2012. Il sera suivi d'un volume consacré Aux origines du ballet (1515-1715) de Nathalie Lecomte.

Entre 1870 et 1945, avec l’essor des villes et l’évolution des mœurs, de nouvelles formes de spectacle apparaissent en Occident et, avec elles, de nouvelles visions du corps dansant, multiples et parfois contradictoires. Certains danseurs, captivés par le modernisme technologique, rêvent d’une hybridation du corps avec la machine. Pour d’autres, l’enjeu est de redécouvrir l’aptitude au mouvement naturel et les pulsions vitales, mises à mal par la vie moderne. D’autres encore puisent une inspiration libératrice dans les danses exotiques ou l’exemple des « peuples primitifs ». Mais à New York comme à Paris, Berlin ou Moscou, la danse doit aussi répondre de son rôle politique, social et culturel face à la crise économique et la montée des totalitarismes. Chorégraphes, interprètes et pédagogues, tous ont conscience d’œuvrer à une époque de ruptures et d’avoir à situer leur démarche créative par rapport aux bouleversements et violences de leur temps.

C’est le récit de cette histoire complexe et passionnante que propose cet ouvrage. À partir des acquis les plus récents de la recherche internationale en danse, il situe l’émergence des œuvres – comme des démarches et des théories qui les animent – dans leur contexte culturel et leur environnement social, tout en croisant l’étude des pratiques corporelles avec l’analyse des enjeux, tant esthétiques que politiques, d’un art en mutation.

Tiré de http://www.cnd.fr/agenda/222565/

Présentation par l’auteur lors de la conférence

En écrivant ce livre, Annie Suquet voulait à tout prix éviter de faire une histoire de la danse en circuit fermé, avec l’histoire des stars et des grandes personnalités et de faire une histoire de la danse qui compartimente les genres

Un des objectifs que l’auteure avait en écrivant ce livre est le suivant: remettre l’histoire dans la danse dans contexte. Elle a voulu absolument éviter de compartimenter les genres et est contre le mythe de la rupture danse moderne/classique.

Le but était de transmettre la richesse de l’histoire de la danse. Pour cela elle utilise une approche thématique. Il en est ressorti 3 thématiques :

-la réaction des danseurs à la vie moderne

-la fascination des ailleurs (exotiques ou primitifs)

-les réactions des danseurs face aux événements politiques

« Ecrire l’histoire, c’est écrire une histoire, ce livre n’est qu’un des récits qu’il est possible de construire. »

1)     La réaction des danseurs à la vie moderne

Les danseurs de la fin du XIXeme avaient conscience d’œuvrer à une époque de mutation (accélération industrialisation,  touche spectacle, nouveau mode de production, mouvement lié à la croissance urbaine, naissance de mégalopoles). Ils étaient comme des étrangers dans les villes où ils vivaient. L’essor des nouvelles déchronologies (électricité, téléphonie, télégraphie) bouleverse les repères sensoriels et corporels. Avec le perfectionnement du train, des auto, du tram, du métro apparait un sentiment d’intrusion de la machine dans la vie.

Cela conduit à deux types de réactions :

-forme d’adhésion enthousiaste : rêve de forme d’hybridation du corps avec machine « ballets mécaniques », transcendance de l’homme par machine (cf Marinetti). Apparait un mythe Homme nouveau et l’idée d’une dématérialisation possible du corps ou un rejet épouvanté

2)     La fascination des ailleurs

L’industrialisation et la technologie altèrent les ressources physiques et psychologiques. Il y a un fantasme de retour aux origines : antiquité grecque cf Isadora Duncan, filtrée par lecture de Nietzsche.

On retrouve aussi une fascination pour les cultures exotiques comme les cultures de l’Asie (indienne, jap, javanaise). En effet ce sont des formes chargées d’un pouvoir rituel, faisant sens pour communauté, elles sont perçues comme des danses de l’ailleurs ouvrant accès à vitalité originelle perdue.

Le primitif fait aussi fantasmer : danse des peules « sauvages » comme les peuplades africaines, jazz perçu comme expression primitive, indiens d’Amérique n’ayant pas perdu liens avec les forces de la nature, la sexualité libre, et la force du corps.

3) Les réactions des danseurs face aux événements politiques

La politique se répercute dans la vie et les œuvres des danseurs. La siècle a connu des événements d’une violence inouïe « ère des catastrophes » :révolution russes de 1917, les deux guerres mondiales.

Après 1917, la survie du ballet est menacée. Il pouvait etre perçu comme un vestige bourgeois ou une possibilité d’évolution en art prolétaire (actualiser thème cf travail en usine). A l’époque à lieu une grande diasporisation de la danse classique russe.

On note une effervescence expérimentale chez les danseurs modernes : danses de masse, scénisation de masse visant à mobiliser grands nombres d’amateurs au service de la conscience pol des prolétaires, agit-prop (réprimés par stalinisme).

La crise de 29 et la grande dépression a impact sur les danseurs (chômage, misère, faim. Communauté sdf parmi les danseurs.).

         L’approche d’Annie Suquet permet d’aborder la diversité avec tout de même des lignes de force. Et cela sans prétendre à être exhaustive, car elle considère son livre comme un ouvrage de synthèse et état des lieux.

         Une autre préoccupation constante de l’auteur a été de faire apparaitre le corps, absent des histoires de la danse, de comprendre comment ça bougeait dans telle ou telle mouvance de l’œuvre.

Elle explique son choix chronologique car 1970 constitue l’époque de l’émergence du divertissement de masse, et en 1945 avec l’instauration guerre froide qui suit et amène la fin de la circulation des danseurs.

Amal Kebaïer

Olivier Roller : Figures du pouvoir

 "Figures of influence"

"

The place: a former bra factory, where copies from original sculptures used by the Fine Arts have been gathered together. Those statues adjust to the different exhibitions the place organizes.

Olivier Roller decides to go beyond the clichés of portraiture very early by photographing his father using close-up frames with no artifice. He has been working for three years now on a photographic fresco through the theme of powerful people. He first photographed political men, then extended his field of investigation with people who represents other spheres and sectors of power. These portraits bring together financiers, advertising moguls, intellectuals, diplomats, and even Roman emperors.

The exhibition at the Musée des Moulages stages Olivier Roller's pictures in the middle of the statues, producing a play between those two forms of art. Some statues seem to look at financiers with disdain and french political men are overlooked by the statues. From floor to ceiling, the pictures are gazing at each other, mixing arrogant, proud and self-confident looks.

The pictures are very different, some are side-on, others full-face, some even show only their back. The light is hard, which highlighted every defects on the models' faces. The focus is often on the eyes of the models, the depth of length is important in order to make the look the main point of the picture. All the portraits are orientated in landscape, not in portrait, the frame is again always different, sometimes the face fits perfectly the frame, sometimes it exceeds, giving more or less impression of an imposing posture of the model.

During the shooting, the roles are inverted: the photograph has the power for 2 minutes. Olivier works very quickly, take a lot of pictures, he looks for his models to let go, they come as they want: if they want to put make-up or not and they also choose their clothes.

This exhibition and the work of Olivier Roller were really interesting, I think the theme of those figures of influence can be expanded, and maybe opened to more women... Indeed, there was only a few portraits of women in this exhibition, which still place the women of today under men influence when it deals with power. Is that a choice of Olivier Roller to reflect our society, or was it done completely unintentionally?

Infos :

du 13 mars au 6 avril 2013, du mardi au samedi de 14h à 18h

Au musée des Moulages de Lyon 2

Séance photo avec François Fillon

http://museedesmoulages.univ-lyon2.fr/actualites/olivierroller/

http://www.olivierroller.com/

Le Printemps des Poètes

Après les arts numériques, c’est un nouveau…domaine ? culturel dont je souhaiterais vous parler : Le Printemps des Poètes

Lancé par Jack lang et Emmanuel Hoog en 1999, le festival Printemps des Poètes s’inscrit dans un mouvement plus large visant à mettre en valeur et soutenir la poésie.

Le Centre national de ressources pour la poésie

En effet, le festival est coordonné par le Centre national de ressources pour la poésie. Les principales missions du centre sont :

 - Conseiller et orienter

L'association répond aux questions des auteurs, enseignants, organisateurs de manifestations et met en relation avec les poètes, éditeurs, libraires ou artistes, ou renvoie vers des structures ressources identifiées sur tout le territoire.

 - Développer une activité de formation sur la poésie

En organisant des journées professionnelles au plan national à destination des médiateurs (bibliothécaires, enseignants, organisateurs et amateurs de poésie) et en contribuant à la formation initiale et continue dans l’Education nationale.

 - Encourager la création

Par des commandes de textes aux poètes, des initiatives éditoriales, la promotion et la circulation d’auteurs en France et à l'étranger, l’attribution du label « Sélection Printemps des Poètes » valorisant des spectacles ou événements poétiques de qualité.

 - Initier des partenariats à l'année

Pour développer des projets originaux qui peuvent ensuite être étendus au national (MGEN, Casden, Maif pour le Prix Poésie des lecteurs Lire et faire lire ; Fondation Orange pour Silence poésie…).

Bref, il y a une volonté d’aller vers tout le monde que ce soit les professionnels, les amateurs ou les novices et de soutenir la création en la valorisant auprès de tous ces publics par des actions diverses (journée professionnelle, commande, partenariat…)

Le Printemps des Poètes

La manifestation du Printemps des Poètes est organisée tous les ans au mois de Mars (le Printemps commence le 20 Mars : coïncidence ?...je ne pense pas).

Chaque année le Printemps des Poètes :

- propose un thème et un répertoire d'actions originales
- mobilise le réseau des organisateurs et sensibilise les publics
- initie des partenariats avec les institutions, les médias ou les entreprises (en 2008 avec La Poste et sa fondation d'entreprise, la SNCF, Vinci Park, France Culture, la Fondation Orange...)

- commande des poèmes à des auteurs sur le thème de l'édition

D’autre part, un nouveau thème est instauré chaque année et si l’année dernière, le thème était Poésie du monde, cette année, c’est La voix du poème qui est mise à l’honneur.

Les acteurs de la manifestation s’emparent des multiples modes de transmission orale qui ont été sollicités Cette édition sera l’occasion pour les poètes de jouer sur les modes de transmission à voix haute du poème que ce soit par la lecture d’un comédien ou d’un amateur, par la lecture enregistrée, par la chanson…

« Dès sa naissance, au début des temps humains, la poésie est une parole levée.  Qu'il soit murmure, cri ou chant,  le poème garde toujours quelque chose  de son oralité native.  Il est donc peu ou prou une affaire  de voix, la voix intérieure du poète  répondant aux voix du monde.  Le partage des poèmes dans la cité,  qui est depuis quinze ans l'ambition  du Printemps des Poètes, passe  nécessairement par la voix haute.  Le Printemps des Poètes 2013  fera entendre plus que jamais cette  polyphonie vivante. »

La manifestation à Lyon

La manifestation à Lyon est organisée par l’espace Pandora qui à cette occasion invitent de nombreux poètes tels que Bernard NOËL, Jean Luc Bayard, Emmanuelle Pirevre….

Au programme de ce printemps des poètes, lLectures vidéos et musicales, des petit-déjeuners poétiques, des rencontres intimistes, des performances littéraires, j’en passe et des meilleurs.

Travaillant au Groupe Musiques Vivantes de Lyon, je choisis de vous faire part des événements qui concernent mon association (non, pas de favoritisme, je ne suis pas comme ça !) et il vous appartient de vous renseigner sur les divers sites internet que vous trouverez en lien dans cet article.

Il faut savoir que le GMVL accueille des artistes en résidence de création et depuis cet automne, nous accueillons la poète sonore Cosima Weiter pour la réalisation de son premier CD "ICI".

A l’occasion de la sortie de son CD et dans le cadre du Printemps des Poètes, Cosima Weiter (ainsi que le directeur artistique du GMVL, Bernard Fort) se produiront lors de la Scène Poétique qui se tiendra le 13 mars à partir de 18h  au théâtre Kantor à l’ENS

Programme de la soirée :

> 18h00-18h30 : Arno Calleja et Christian Fillips 

> 18h40-19h20 : « Le Discours sur rien » de John Cage – interprété par Bernard Fort 

> 19h20 : débat 

> 19h30-20h00 : Récital de Cosima Weiter 

> 20h00-20h30 : débat 

> Signature du CD « ICI » par Cosima Weiter

Je vous souhaite à tous un bon printemps qu’il soit poétique ou pas mais rien ne vaut des jolis mots pour accompagner le soleil qui est (enfin !!!!) de retour.

La scène poétique :

Le 13 mars - 18h

Lieu : Théâtre Kantor, ENS LYON - Site René Descartes - 15 parvis René Descartes - 69007 LYON

Réservation par email ou au 04 78 28 69 10 

http://patrick.dubost.free.fr/la_scene_poetique.html
Site du GMVL : www.gmvl.org

La manifestation à Lyon :

Infos : Espace Pandora : 04 72 50 14

78 / espacepandora@free.fr /  

Tout le programme sur www.espacepandora.org

Site du Printemps des poètes : http://www.printempsdespoetes.com/

Débris, Dennis Kelly 2003

Entretien :

Metteur en scène Vladimir Steyaert

7 & 8 février 2013 

au théâtre de l'Atelier, 69001 LYON

Entretien du 14 février 2013

« Avec ce spectacle, je veux m’adresser à un large public mais particulièrement à des jeunes. Je suis persuadé qu’un des meilleurs moyens pour faire venir les jeunes au théâtre et leur permettre d’accéder à la culture est de les emmener voir des spectacles où les personnages ont les mêmes préoccupations qu’eux avec un univers qui leur ressemble. C’est pourquoi la présence d’un DJ et d’un VJ me semble indispensable car la musique et la vidéo {que ce soit par les séries télévisées, les films mais aussi les jeux vidéos ou les vidéos en ligne sur internet (YouTube, Daily Motion...)} sont des piliers de l’adolescence et permettent non seulement de se chercher, de se construire et de se trouver mais également de développer un univers et un imaginaire en opposition avec le monde des adultes. Ce texte, en se focalisant sur la parole de deux adolescents, développe de nombreux thèmes et centres d’intérêts liés à cette période de la vie où l’on oscille entre volonté de grandir, prise de conscience de la réalité du monde, et envie de le changer. Sont présents dans cette pièce, plusieurs éléments faisant partie intégrante de la « mythologie » adolescente comme le rapport omniprésent à l’image, la fascination pour la violence, ou encore l’impossibilité de la communication avec les parents et l’ incompréhension voire la colère que cela peut engendrer. » Vladimir Steyaert

This is the story of a brother and her sister who tell their difficult childhood on stage. The two actors express themselves in front of an audience, as if they were in at court; their soliloquies are like testimonies; the statements they give are absurd versions of traumatic experiences (their parents' death, their kidnapping by a pedophile...). It is up to the spectator to untangle the true from the false. Stage director Vladimir Steyaert used eight televisions in order to raise among the audience the following: how television influences children's imagination? How do teenagers regurgitate those information, all this abundance of images? To a certain extent, we have the impression that the girl is creating a story from the images she is seeing on television, and not the contrary: the movie played on TV is not perceive as an illustration of what she says. For each scenario, the television is the third character. Television is so important that at one moment, the girl worried about how they are supposed to raise Debris (the baby his brother has found in a trash) without a television? Here, television substitutes education.

Vladimir chose « Debris » because he liked the text as soon as he read the first pages. He explains that he is fascinated by adolescence, this transitional period between childhood and adulthood. This is the period during which you shape your own personality, you are playing a game full of bad faith, you act like a child when it suits you but at the same time you also want to be considered as an adult when you want more freedom. Vladimir questions the fact that you can be very different from your brothers and sisters even if you evolve/grow up in the same familial sphere, and why those differences appear? This is a period of carefreeness where music has an important place. You build your own references between those of your parents and those of your friends, this is also the period for discoveries, parties...

The images projected on the tvs or in the back of the stage are extracted from TV shows (the stage director worked with a « VJ » a video DJ). The images are mixed and they also used images from surveillance cameras, recordings of the actors (the teenagers tell a story from their childhood and comments on TV what they are acting on stage). This is the way the stage director uses to render those two temporalities. Images of sonograms, the spectator and people in general are obsessed by screens, if there is one, you involuntary look at it (with this choice of staging, video tries not to serve badly the actors)

The question of light is also important. It is complex to use both video and much light. The guy who work the video part is also a musician, it was interesting for Vladimir because he sees video as a music instrument.

The play is build as a fight, they always outbid what the other said, taboos are evoked (religion, pedophilia, death, violence...) the best is the one who shocks the most. All these scenes are bound together, Vladimir uses a play with music, sets, music and costumes in order not to break the rhythm of the play.

The first time Vladimir has staged the play was in 2010. Since then, some slight changes have occurred but not major (the televisions were suspended above the stage, cables were falling everywhere...). If he had something to change today, he will be more confident concerning the actors and the text, it will be more uncluttered, less frontal.

Stage director: Vladimir Steyaert

Actors: Charlotte Duran & Anthony Breurec

Scenography: Rudy Sabounghi

Music: Gio Garcia

Video: Eric Petrotto aka VJ Raize

Lights: Cyrille Chabert

Web: http://debris.pagesperso-orange.fr/

Un Ennemi du people, Ostermeier

This play is introduced as frontal and political even before it starts. When the audience gets in the TNP, it finds itself before a big screen on which a text is projected. This text, taken from L’Insurrection qui vient written by the “Comité invisible”, is indeed very political and controversial and puts us in the right mood for the play.

This text spoken by the Doctor Stockman in the end of the play, even thought it isn’t from Henrik Ibsen, and it is not the only modification of the text. As usually Thomas Ostermeier doesn’t hesitate to change the original text, to make it more up-to-date, and to make it suitable with his greater project of staging. Nevertheless, some germs of revolt were in the original text, and that’s why T. Ostermeier chose to stage this play rather than another.

Here is the story, imagined more than a century ago, but that could have happened yesterday: a doctor, Dr Stockman, discovers that the water of the recent thermal baths is polluted by some factories. He informs his brother, the mayor, who refuses either to sanitize the thermal baths or to close them, because it would cost the city and its dwellers to much, in terms of money. Preoccupied by the inhabitants and people coming on purpose to heal to the thermal baths, Dr Stockman requires a newspaper’s help, which the journalists are eager to offer. But then, this politically involved newspaper steps back on the question, for economical interest again…

Dr Stockman is then shown as an “enemy of the people”. It leads him to doubt about press, politics, nowadays society, using the text we saw in the beginning in public, in a kind of lecture. To be able to attend this lecture, the others characters join the audience. After a speech about the falseness of democracy, the journal editor, confronts the audience and asks who agrees. Warmed up by the emphatic speech of the defender of the right, most of the hands raises. Then, he gives his microphone to whoever wants it, wanting for an explanation.

         Thus T. Ostermeier creates a striking moment in which we are forced to participate, and especially to think and tell about our opinions after having cheered almost automatically. I think the gesture and what it triggers afterwards was more important than the content of the immediate thoughts of the TNP audience that night, who mainly uttered clichés. Some couldn’t rationally explain their agreement, some mentioned the “mediator” scandal, others were ready to put the democracy down immediately. This also shows from the part of the audience a need for participative democracy. Anyway this left us with a bitter taste, made us think the matter over during and after the play, and led to debates after the show.

This was the most remembered moment because we were involved, but one should also remember what came before and after. The scenery was really smart, very evocative without being too naturalistic. No technicians were needed to change the set and the actors managed to bring us to very diverse places only with a few changes. The newspapers office was suggested only with two desks and chairs, during the lecture, we could see a tribune, which was easily turned into a refrigerator to get back to the play and to the Stockman’s living room. The costumes were made to help us identify contemporary social groups (such as a tuxedo for the mayor, converses shoes and yellow skinny jeans for the young rebelish journalist…).

Once again, T. Ostermeier manages to be polemic without providing a clear answer. Indeed he changed Ibsen’s ending to leave the hero doubting. But the political side doesn’t alter the theatrical values with a very rhythmic play animated by talented actors.

Amal Kebaïer

« Django Unchained », the dream project of Quentin Tarantino

  

First of all, allow me to wish you a Very Happy New Year 2013… Well, ok, it’s February, but it is never too late, isn’t it?

            The beginning of our second semester in Cultural mediation is focused on numeric arts and I realized that we’ve never written an article on cinema on this blog which is a shame because:

1.      Cinema is an art, the last but not the least

2.      It is possible to do the cultural mediation of a movie

3.      Cinema as theatre gives us the opportunity to talk about the work of different artists: the director, the actors, the composer…

I’ve recently seen “Django Unchained” by Quentin Tarantino and I thought that the movie was worth an article on this blog. I will only give you an as-much-as-possible-non-spoiling synopsis of the film and a few historic and cinematographic details to help you understand the film. Finally, you will find a link of a very complete and interesting interview of Quentin Tarantino by a university professor and co-founder of the website specialized in Afro-American culture, Henry Louis Gates Jr.

SYNOPSIS :

The film takes place in the year 1858, in the South of the United-States. A former German dentist now bounty hunter, Dr King Schultz is looking for the murderous Brittle Brothers. The slave, Django, is the only one who can lead him to them as the Brittle Brothers used to be supervisors in the plantation where Django worked. Honing vital hunting skills, Django remains focused on one goal: finding and rescuing Broomhilda, the wife he lost to the slave trade long ago. Django and Schultz's search ultimately leads them to Calvin Candie, the proprietor of "Candyland," an infamous plantation. Exploring the compound under false pretenses, Django and Schultz arouse the suspicion of Stephen (Samuel L. Jackson), Candie's trusted house slave. --

INTERESTING FACTS YOU NEED TO KNOW :

1. 1858: we are two years before the Civil War opposing the Northern States of the Union to the Southern Slave States of the Confederacy that seceded. The causes for this war are numerous and it would be inaccurate to say that it was all due to slavery. However, slavery was one of the major reasons of this conflict. For Northern States, slavery was anti-constitutional and therefore must stop. However, in Southern States which were less industrialized than Northern States and whose economy relied on agriculture, slaves were essential. It was, according to them, a constitutional right to own slaves. This opposition and many others led them to secede from the Union and finally, war erupted after Lincoln won the election in 1860 without being present in the ballot of nine Southern States.

2. Mississipi is a Southern State. The economy of this State relied on cotton that allowed plantation owners to become extremely wealthy and consequently gave them the power to buy more and more slaves. By 1860, the enslaved population numbered 436,631 or 55% of the state's total of 791,305. The planters' dependence on hundreds of thousands of slaves for labor and the severe wealth imbalances among whites, played strong roles both in state politics and in planters' support for secession. Mississipi was the second State to declare secession from the Union on January 1861.

3. The Western Spaghetti: it’s a pejorative name given by American Cinema professionals to Western films realized in Italy. What are the features of a Western Spaghetti?

a.      First of all, it is not a fight between Good represented by the White Cow-boy that conquered the Wild West and the Evil represented by Indians and Mexican bandits. Though Django is a former slave and should help his kin and do the Right thing because you don’t do to others what you didn’t like others did to you, he is not at all like that. At the very beginning of the film, Django says that killing White men for money is a dream job for him and the struggle with his conscience lasts, I would say, 2 minutes !

b.      Violence is everywhere in Western Spaghetti whether it is a duel or a hanging… The problem with “Django unchained” is that we don’t know if the violence comes from Quentin Tarantino (remember Pulp Fiction or Inglorious Basterds?) or from the genre of the film. We will just say that Tarantino has finally found his perfect genre. In “Django Unchained”, you obviously have lots of duels but also scenes of pure violence (SPOILERS: like this poor slave eaten alive by dogs or, and this is just so cool for an actor to do so, Jamie Foxx who blows up Tarantino).

c.      Aesthetically, it is common to find in those films wide camera angles with massive Western landscapes  but also more innovative angles such as the  low angle shots, filming the scene through a window with its frame apparent or through a rope or close-up framing. You will find these three features many times in Tarantino’s film (SPOILERS: there is a scene filmed through a rope, near the beginning of the film)

d.      The soundtrack of course is quite memorable in Western Spaghetti and the first name we think of is Enio Morricone. Enio Morricone takes part in the soundtrack of “Django Unchained” and you always recognize his music. What is striking in the film is that you are expecting a traditional Western Spaghetti, you read “music – Enio Morricone”, ok, and suddenly you have this Rap music, completely out of of the blue but which perfectly fits the moment! This association is astonishing.

e.      Finally the use of flashbacks to help understanding the main character. Tarantino used them to relate the love story between Broomhilda and Django and what led them to be separated.

Finally, I invite you to visit that page which is a very complete interview of Tarantino which focuses on racism and Slavery with some interesting extracts from old films such as The Birth of a Nation by D.W Griffith, one of the most racist films, released in 1915: http://leplus.nouvelobs.com/contribution/764530-django-unchained-un-reservoir-d-emotions-postmodernes-a-la-sauce-tarantino.html

ANASTASIA’s POINT OF VIEW :

After having revisited history with World War Two in Inglorious Basterds, Quentin Tarantino attacks this time American History and Slavery. Those two movies have much in common: long dialog scenes,  very absurd comical scenes and also tragical scenes. The fact that Quentin Tarantino juggles with very different emotions during almost three hours can be very disconcerting for the spectator, I almost feel uncomfortable - one moment you laugh because of the comic aspect (like the beginnings of the Ku-Klux-Klan and their hoods which make them unable to see anything, or the valet clothes of Django...) and the moment after the tragical situation and the serious context of the action gets the upper hand (like when a slave is eaten alive by a dog...).

The only way to feel less uncomfortable is to look at the « revenge » aspect of those two movies. Quentin Tarantino creates perfect heroes: Django, former slave saved by the kind German Doctor Schultz (the mind-blowing Christopher Waltz again). The « good » are moved by love against the « bad » slaveholders who are only moved by hate, the love story between the two slaves is the common thread in the middle of all this violence.

I would not say this is the best Quentin Tarantino's movie, but if you come see it for the show, you won't be disappointed.

TIFFANY’s POINT OF VIEW :

I am not the ultimate Tarantino’s fan but I must admit that he’s doing pretty good for his last couple of movies. Dealing with history suits him. First with “Inglorious Basterds” and the Nazis and now with “Django Unchained” and slave owners, he relates the History maybe not accurately but violently and honestly.

The scenes of violence you can find in the film (I think I’ve covered my eyes for at least one fourth of the film!) surely happened in these times and showing the violence against Black people was more and more used by abolitionists in the 1850s to appeal to the feelings and mercy of American people and to make them react and finally say “no more”.

You’ll find all the clichés of Western Spaghetti: flashbacks, closing-up framing, duels, violence, and dark sense of humour…. Of course, the success of the movie is not only due to this revisiting of the genre but also to the wonderful cast and I must say that I am pretty fond of Dr King Schultz and his lovely cart…